把继承、借鉴、创新融为一体——23场豫剧进京演出的启示

2016年，豫剧界有一个大的动作，轰动京城，那就是3月12日至4月6日，在北京长安大戏院、梅兰芳大戏院和民族文化宫演出了23场豫剧。除河南省豫剧院一、二、三团、青年团、郑州豫剧院、鹤壁市牛派艺术研究院、小皇后豫剧团等来自河南的剧团而外，还有来自其他五省区的豫剧团加盟了由河南省委宣传部、省文化厅等主办的这次展演活动。这是一种大豫剧观念，豫剧走出河南，走向全国，这是可喜可贺的。

这一活动给了我们许许多多启示，我感触尤深的有三点：

传承与创新是豫剧发展的唯一路径

戏曲是以表演为中心的艺术，这话有一定道理。如何出人？如何出戏？要出戏，必须先出人，特别是演员，戏是靠演员演的，没有优秀演员登台演出，就没法吸引观众走进剧场，戏曲就难于繁荣发展。戏曲演员的培养方式，离不开口传心授，传承与发展，继承与创新对于戏曲表演至关重要。我们欣喜地看到展演中有一出《宇宙锋》。这是陈派传统名剧，由陈素贞的亲传弟子牛淑贤担任艺术指导，并亲自教授自己的学生青年演员董爱春。应该说这是一出非常难演的戏，董爱春却演得有模有样，潜台词交代得清清楚楚，该稳的地方，她稳得住，该放的时候，她放得开，加之她有一条好嗓子，又会唱，取得了很好的剧场效果。从中可见没有前辈艺术家的创作，就不会有今天豫剧舞台上这个年轻光鲜的赵艳蓉。

青年演员吴素贞在《白蛇传》中饰演的白素贞亦是如此。一个美丽、温柔、善良、典雅的女性树立在豫剧的舞台上，是件不易的事。这一形象虽然在京剧、越剧、婺剧、川剧、赣剧……舞台上出现过，惊艳戏曲舞台，但这一个白素贞是属于豫剧的，发挥了豫剧擅长抒情的特点，表演上则对京剧等剧种有所吸纳。

李树建是豫剧的领军人物，他的《程婴救孤》享誉菊坛，正在于他的继承与创造。李树建的表演从人物出发，充满激情，唱腔酣畅淋漓，具有爆发力，震撼力，让观众为之动情动容。他的表演与京剧自是不同，一招一式讲究，有京剧老生的韵味在其中，又不是照搬模仿京剧，而是化成了豫剧，一个“化”字，体现了演员的功力与艺术修养。李树建的表演与他的唱达到了美学意义上的和谐、顺畅、自然之美。

我认为继承，不仅仅是对本剧种传统的继承，而是大而化之，对戏曲传统的继承，是大戏曲传统的概念。把继承、借鉴、创新融为一体进行思考，进行创作，产生新的作品，既丰富了剧种的演出剧目，也增强了剧种的表现力。这是豫剧大军团进京展演给我们的有益启示。

文本创作与戏曲的创新发展

影视界出现了严重忽视文本创作的倾向，这成为影响影视发展提高的瓶颈，已经引起影视评论界的高度重视。与之相比，戏曲创作的发展还是健康的。此次豫剧展演出现了不少新创作剧目，《大漠胡杨》、《都市阳光》、《朱丽小姐》、《风雨故园》……为戏曲的创新发展提供了动力。

《都市阳光》是一出现代戏，以新生代农民工进城寻梦为主线，表现他们的生活、理想、爱情、爱好、兴趣……剧作者陈涌泉把他们视为都市中的一缕阳光，光明美好，这一定位准确，有新意。剧作家把男主角高天设计成一个爱唱歌的青年，在他的周围聚集了一群阳光青年，他们在繁重劳作之余，组织业余歌舞团，跳街舞，唱摇滚……这是新世纪走进都市的农村青年的真实写照，让我们想到旭日阳刚组合，想到青年人热衷的流行乐、现代舞……作家触摸到当代青年的脉动，创作上从生活中来，又带着作家的理想，带着作家的浪漫情怀。《都市阳光》这个创作群体的追求很明确，那就是秉承戏曲歌舞演故事之传统——吸收借鉴音乐剧、摇滚乐、现代舞的元素，追求古老戏曲与当代艺术的有机结合，东方神韵与现代精神的高度统一，乡村文化与都市审美和谐兼容。在传统与现代的碰撞交融中，探索戏曲发展的创新之路，推动豫剧的现代化、都市化、国际化和豫剧观众的青年化。

在中国戏曲发展史上，也不乏这样的例子。梅兰芳大师在京剧中加入舞蹈，创作了“剑舞”“羽舞”……把古典仕女装纳入京剧，是对京剧的一次革新，也是对京剧的一大贡献。试想没有《霸王别姬》、《天女散花》、《廉锦枫》这样一批剧目为依托，就不会有京剧大师的创新之举。文本不容忽视。

戏曲的发展之路其实就是创新之路。戏曲是综合艺术，因此，戏曲的创新也是综合的，是各个艺术创作部门携手，齐心协力共同完成的，但文本是基础，表、导、音、美的创新都与文本密不可分。“一将无能，累死三军”，剧本是将是帅，表、导、音、美是三军，一个不给力、毫无新意的烂剧本，表、导、音、美再努力，再有创新，也难成就一部充满新意的戏曲作品。

戏曲创新、发展需要创作者与评论家、理论家共同完成

豫剧23台剧目进京演出期间，主办方召开了许许多多座谈会，有一戏一评的座谈会，也有综合性的座谈会和专门研究豫剧传承发展的专题研讨会。此次活动的组织者、领导者，对评论理论极为重视，目的十分清楚，从专题研讨会可以看出，是为豫剧的发展寻觅一条可行之路，总结经验，在理论指导下提高，使豫剧走向一个新的高度。

戏曲的发展确实离不开理论评论工作。上个世纪50年代，一个难题摆在戏曲工作者面前，那就是如何对待数量繁多、精华糟粕相混杂的戏曲传统剧目？张庚、郭汉城等理论评论家深入创作实际，与剧团演员、剧作家、乐队演奏员一起，深入了解传统节目的情况，包括表演、唱腔的精华，文本的问题，提出“取其精华，去其糟粕”的观点，写出一批理论评论文章。如张庚的《〈秦香莲〉的人民性》、《谈〈蝴蝶杯〉的精华与糟粕》，郭汉城的《蒲剧〈薛刚反唐〉的人物、风格与技巧》、《略说晋剧〈杀宫〉的整理》等都是有针对性的，对当时存在的如何认识评价传统剧目，提出自己明确的看法。对于如何改编传统节目，如何保留传统节目的精华，如何化腐朽为神奇，使传统剧目大放异彩，登上新中国的舞台等问题，都有自己的认知。这类文章通过具体剧目的具体分析，肯定应该肯定的部分，同时指出问题症结所在。这是有调查，有研究，有理论，有分析，有明确观点，有的放矢的好文章。确实起到了指导创作实践的作用。演员、剧作家、导演……方方面面因此而受益，一批传统剧目也因此以崭新的面貌登上舞台，前前后后出现了一批好戏，如越剧的《梁山伯与祝英台》，川剧的《秋江》，评剧的《秦香莲》，京剧的《拾玉镯》、《红娘》……

我们目前的评论理论状态似乎不那么令人满意，有人批评：评论是好话好评多，犀利的、一针见血的批评罕见。创作实践者也有意见，他们认为各别评论家“辞不达意”，玩概念，亮“学问”，甚至有“误导”……问题归问题，但我以为，戏曲理论评论队伍整体还是健康的，有实力的。

戏曲理论评论人才培养是件很不容易的事。很多老先生是读了一辈子书，看了一辈子戏，恐怕是有几千出戏之多吧，他们是在和剧团、演员、剧作家、作曲家、舞台美术家……交朋友，向创作实践者学习，在工作之中锻炼中出结果。理论评论队伍中的问题是不可小觑的，既然张庚、郭汉城、刘厚生等前辈为我们做出了榜样，我们就要向前辈学习，努力提高我们的水平，与创造者携手，共同寻求戏曲的发展创新之路。